Revista semestral especializada en diseño gráfico y estudios de la imagen ISSN: 2665-6728 (EN LÍNEA)
El autorretrato fotográfico se ha transformado en el contexto actual de la cultura visual; además, la inteligencia artificial (IA) tiene un efecto sobre cómo se crean, distribuyen y reciben las imágenes. Este artículo examina la manera en que las tecnologías algorítmicas están cambiando los conceptos de subjetividad, autenticidad e identidad tanto en la comunicación visual como en las ciencias sociales. Mediante una metodología cualitativa, basada en la revisión de la bibliografía y el análisis del contenido visual, se investigan las transformaciones sobre cómo se realiza un autorretrato y cómo interactúan el fotógrafo, la cámara y los espectadores. Los hallazgos muestran que la inteligencia artificial no solo expande las oportunidades expresivas del autorretrato, sino que también transforma los conceptos de verdad visual, agencia y autoría, creando un nuevo paradigma para la producción estética y simbólica en el entorno digital.
Derechos de autor 2026 Fundación Universitaria San Mateo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/
Optimización de la animación digital mediante inteligencia artificial ética y creativa en contextos latinoamericanos (2020-2025)
El presente estudio, de enfoque cuantitativo explicativo, analiza el impacto de la inteligencia artificial (IA) en la eficiencia productiva, la creatividad y la ética profesional de los animadores latinoamericanos durante el período 2023-2025. A través de un diseño no experimental de corte transversal, se aplicó una encuesta estructurada a una muestra intencional de profesionales y estudiantes del sector, predominantemente de Chile (82 %). Los resultados evidencian una adopción tecnológica dual: mientras herramientas como Toon Boom Harmony y Autodesk Maya mantienen su hegemonía incorporando funciones basadas en IA, persiste una brecha significativa en la formación ética: la mayoría de los encuestados reporta un conocimiento parcial o nulo sobre protocolos relacionados con la propiedad intelectual y la autoría. Se concluye que, si bien la IA optimiza distintas etapas del flujo de trabajo, como el rigging (que es la creación de un sistema de huesos y controladores para un personaje animado) y la rotoscopia (que consiste en dibujar sobre imágenes de un video real, cuadro por cuadro, para lograr movimientos más realistas), su integración efectiva depende de un modelo de cocreación en el que la supervisión humana y la transparencia en la autoría constituyan elementos fundamentales para promover una implementación ética y sostenible.
La animación digital como inspiración y distorsión
La animación digital ha adquirido una relevancia social significativa, trascendiendo su función inicial de entretenimiento para consolidarse como un medio de expresión, inspiración y comunicación emocional. Este artículo analiza el rol de la animación digital como herramienta de aprendizaje y desarrollo en los ámbitos emocional, educativo y creativo, especialmente en jóvenes y adultos chilenos, desde una perspectiva cualitativa centrada en las experiencias y percepciones de los propios sujetos. Asimismo, se examinan los posibles riesgos asociados a la sobreexposición y al consumo excesivo de contenidos animados, considerando su impacto en la construcción de la identidad y en la percepción de la realidad, dentro del contexto actual de plataformas digitales y redes sociales.
Plataformas de streaming, consumo inmediato y transformaciones en la industria de la animación en América Latina (2020-2025)
La presente investigación tuvo como objetivo analizar el impacto de las plataformas de streaming en la industria de la animación, considerando la calidad de las producciones y las condiciones laborales de los animadores, en el marco del debate sobre un posible auge o decadencia del sector. Se empleó un enfoque cualitativo de tipo fenomenológico, con el fin de comprender las percepciones del público y su contexto. La información se recopiló a partir de estadísticas de consumo audiovisual en Chile, opiniones de la crítica y del público, y experiencias laborales de animadores desde el año 2020 en adelante. Los resultados indican la coexistencia de procesos de innovación, especialmente en producciones de animación 3D, junto con fenómenos de estandarización estilística en otras obras. Asimismo, el uso de redes sociales y servicios de streaming ha ampliado el acceso inmediato a los contenidos, incrementando la demanda de producciones. Este aumento ha generado una mayor carga laboral, con efectos adversos en la salud y el bienestar de los animadores.
confinamiento por la pandemia de covid-19
El artículo examina críticamente la inclusión social y la representación cultural en producciones de industrias creativas contemporáneas, a partir de una mirada centrada en la recepción simbólica por parte de diversos públicos. Mediante un enfoque cualitativo y análisis de casos seleccionados, se identifican patrones que generan debates y tensiones entre la visión cultural idealizada y las voces marginadas. Los resultados muestran que, aunque ha habido avances en visibilizar identidades diversas, persisten brechas significativas en la forma en que diferentes grupos sociales perciben y se apropian de estas representaciones. Estos hallazgos permiten reflexionar críticamente sobre el concepto de inclusión social en contextos culturales, aportando a debates sobre prácticas creativas más equitativas y reflexivas.
Aplicación de metodologías ágiles en un proyecto académico de branding
La presente investigación se enmarca en el proceso de creación de proyectos de branding, es decir, de marca, a través de la aplicación de metodologías ágiles desde el aula, en un contexto de educación superior, específicamente en el área del diseño gráfico, dentro de un enfoque teórico-práctico. Se presentan los resultados obtenidos en una clase de diseño estratégico, correspondiente a la licenciatura en diseño para la comunicación gráfica del Centro Universitario de Arte, Arquitectura y Diseño de la Universidad de Guadalajara. El tema es de relevancia actual para la profesión, es importante aplicar dichas metodologías ágiles para desarrollar y gestionar proyectos de branding en contextos en los que la inmediatez y la calidad son premisas fundamentales. Para llevar a cabo esta investigación se realizó una revisión bibliográfica y un análisis del proceso de creación de un proyecto de branding mediante nuevas metodologías creativas. Asimismo, se aplicaron encuestas para conocer la percepción de los estudiantes y el impacto de la aplicación de metodologías ágiles en la creación de dicho proyecto académico de branding. Se obtuvieron resultados óptimos, de los cuales surge el proyecto “Inspiro, campamento creativo de colaboración”, con el que se logró un aprendizaje significativo mediante una experiencia de enseñanza ágil e innovadora.
Derechos de autor 2025 Fundación Universitaria San Mateo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Este artículo es parte de una tesis doctoral en diseño y creación, que estudia la memoria gráfica y tipográfica de las cartillas de lectura y escritura en Colombia, con énfasis en la Escuela Londoño Jaramillo. La investigación analiza cómo las prácticas tipográficas influyen en la educación y la identidad cultural, destacando el papel de la tipografía en la memoria gráfica, más allá de su enfoque pedagógico y político. Desde un enfoque interdisciplinario que integra el diseño, la tipografía, la educación y la memoria gráfica, la investigación emplea la metodología Design-Based Research (DBR). Esta combina análisis documental, experimentación y evaluación en contextos educativos reales; así, se utilizaron técnicas como la observación, el análisis tipográfico comparativo y entrevistas semiestructuradas con docentes y diseñadores. Los lineamientos teóricos incluyen estudios sobre tipografía, diseño educativo y memoria gráfica, permitiendo una aproximación crítica a la producción tipográfica en materiales didácticos y su impacto en la educación colombiana. Sus conclusiones resaltan la importancia del diseño tipográfico en la educación, su impacto en la identidad cultural y la necesidad de su inclusión en políticas públicas, proporcionando un diagnóstico y recomendaciones para el desarrollo del diseño tipográfico en Colombia.
Aproximación a las dinámicas metodológicas y herramientas aplicadas al diseño gráfico para el futuro
Este documento presenta un breve análisis sobre la evolución del diseño a lo largo de la historia, mostrando cómo sus procesos se han adaptado a nuevos requerimientos a medida que la disciplina se especializa, respondiendo a diversas necesidades y contextos sociales, económicos y políticos. El artículo presenta de forma sucinta la estructura de los métodos y herramientas usadas tradicionalmente en el diseño gráfico, pero también indaga sobre aquellas utilizadas en las nuevas prácticas de la disciplina, con el propósito de construir un novedoso proceso metodológico vinculado a la práctica del diseño para el futuro, teniendo como bases fundamentales las metodologías utilizadas en los estudios del futuro aplicados en Latinoamérica y las prácticas especulativas instauradas en el diseño, todos estos insumos analizados desde fuentes bibliográficas y llevados a la experimentación en la clase de diseño para el futuro usando modelos metodológicos aplicados en otros países de América Latina y que permitieron establecer una propuesta metodológica propia de la carrera de diseño gráfico de la Pontificia Universidad Católica del Ecuador (PUCE).
Creación de la imagen en diseñadores gráficos
La imagen es pieza trascendental en el ejercicio del diseño gráfico; de ella depende la calidad e impacto de los mensajes gráficos en el contexto comercial. La enseñanza enfocada a la creación de la imagen resulta ser uno de los retos principales que enfrenta la formación universitaria. El objetivo de esta investigación se centra en indagar la calidad de la enseñanza desde el entorno presencial (en el aula) y virtual (a distancia), y su impacto comparativo en la creación de imágenes diligentes; esto permitirá identificar deficiencias y proponer mejoras que contribuyan a promover la formación de diseñadores. Para ello, se siguió un enfoque cuantitativo de tipo descriptivo en busca de indagar tendencias con base en opiniones; para ello se consideró un muestreo no probabilístico y por conveniencia, aplicado a estudiantes de diseño gráfico de universidades de México y Colombia y el instrumento fue el cuestionario digital. Para la fase de evaluación se buscó identificar la percepción de la calidad del aprendizaje obtenido en ambas modalidades, apoyada en un análisis comparativo. Los resultados revelan ventajas y desventajas en ambos modelos, señalando que el aprendizaje se vuelve relativo de acuerdo con diversos factores y variables propias y dependientes de cada individuo.
Imagen y conocimiento en América Latina.
Se incluyen artículos que analizan la imagen y el conocimiento desde diversas interrelaciones; a partir del circuito que propone la Historia del Arte tradicional, o bien desde las alteraciones que suscita el arte contemporáneo. Tanto los estudios situados de casos, como los análisis teóricos relacionados con los temas propuestos, se tratan de indagaciones propiciadas por los análisis hermenéuticos y por los estudios visuales.
Hermenéutica y emblemática en el barroco hispanoamericano
En el marco de la amplia repercusión que han tomado los estudios sobre las imágenes desde la década de 1990 del siglo pasado, el presente trabajo indaga en la literatura emblemática del barroco hispanoamericano de los siglos XVI y XVII como artificios disimulatorios del poder. A partir de las nociones de figurabilidad y textualidad ampliada se sostiene que las imágenes de los emblemas barrocos pueden ser leídas como un texto escrito y que su legibilidad está condicionada de manera múltiple por su estructura y por el nivel de alfabetización de los lectores. El objetivo del trabajo es mostrar cómo estos dispositivos semióticos funcionaron de manera solapada a las finalidades políticas de la conquista de las almas frente a la conquista de los cuerpos de la etapa anterior. Desde esta perspectiva, la lectura de la emblemática barroca puede constituirse en un punto de partida para la elaboración de un modelo de lectura para el análisis de las publicidades televisivas, de la propaganda partidaria y de las comunicaciones en las redes sociales en torno a la producción de subjetividades políticas.
La prosocialidad en Bogotá a través de “Los 4 locos de Bogotá”, teniendo en cuenta los tres principios básicos:
El siguiente artículo presenta los resultados de investigación realizados en la ciudad de Bogotá, Colombia, que busca identificar la influencia en el comportamiento de las personas sobre la representación simbólica de “los cuatro locos” y su relación con la conducta ciudadana como parte de la construcción cultural, que se debería aplicar en el contexto de una metrópoli latinoamericana como Bogotá y que forman parte de un patrimonio social desde la década de 1940, que debido a sus anécdotas son ejemplo de civismo y urbanidad; además, cómo la prosocialidad se permea con estos personajes y los convierte en agentes influenciadores por medio de un cambio en la cultura social y ciudadana. Este ejercicio que se extendió durante un año se trabajó desde el enfoque cualitativo desde el tipo de estudio descriptivo, aplicando la relación entre las expresiones, los referentes y los imaginarios sociales y cómo influyen en la prosocialidad y la cultura ciudadana desde una mirada claramente humanista, donde definitivamente se crea una significación del ciudadano desde su propio contexto.
El presente artículo de reflexión deriva de la revisión analítica y crítica sobre la significancia del arte en la memoria visual, histórica y cultural. Tiene como propósito allanar los enunciados tras las imágenes que rebasan incluso lo artístico para indicar su poder (político), sujetas a modo de montaje y archivo de los avances tecnológicos y sus consecuencias comunicacionales y de consumo. Mediante un análisis hermenéutico estimulado por los estudios visuales y la historia del arte, estudiamos la imagen de La Piedad de Miguel Ángel (1498-1499) y sus diversas interrelaciones en reinterpretaciones provistas por el arte contemporáneo hasta la iconósfera medial en redes sociales. Más allá de la confirmación sobre la referencia del original, la representación simbólica de la imagen del dolor y la pérdida problematiza la recepción y efectividad política, denotando la relación entre poder e imagen desde la fuerza de la memoria del gesto, hasta tocar fibras sensibles de lo real en el caso latinoamericano.
En este escrito se analizarán dos estaciones del vía crucis de la catedral de La Plata y de la catedral de Bariloche en Argentina, así como uno de los tímpanos de la catedral platense. Estas obras, realizadas por el escultor Gabriel Cercato y el arquitecto Alejandro Santana, abordan desde una perspectiva decolonial la construcción del carácter epistémico del proceso productor. Repensar desde Latinoamérica el concepto de decolonialización en relación con las obras de Cercato y Santana son una de las cuestiones a trabajar; así como las categorías de análisis que se configurarán a partir de un marco teórico construido por autores de la filosofía de la liberación como Enrique Dussel. Se recuperarán autores del giro decolonial como Walter Mignolo y Aníbal Quijano. Desde una perspectiva histórica se trabajará con Juan José Hernández Arregui y Fermín Chávez. Dichos conceptos serán abordados desde un recorrido histórico y filosófico, basado en la concepción de arte y los agentes que participan en el proceso creador. En tal sentido, se examinarán las categorías de la estética tradicional europea (obra de arte, artista) y su devenir contemporáneo, privilegiando una concepción relacional y situacional del proceso artístico, repensando de ese modo dichos conceptos en el contexto latinoamericano, argentino específicamente.
Competencias en alta dirección de mercadotecnia
Las empresas universitarias deben posicionar los proyectos productivos generados de la investigación en el mercado contemporáneo. Con el diseño de tipo cualitativo a través del método de investigación-acción-participativa basado en un estudio de caso en alta dirección en mercadotecnia con un grupo de profesores investigadores en las áreas de ciencias básicas y económico-administrativas, se responde: ¿Qué estrategias y habilidades de alta dirección en mercadotecnia se aplican en la gestión del empaque y embalaje para potenciar la competitividad de la imagen de marca en productos artesanales derivados del cacao dentro del sector de salud y bienestar en cosmetología? Esto permite identificar factores que conducen a la competencia técnica y de dirección del marketing en las habilidades de proceso, habilidades de gestión de proyectos, alineación de habilidades con las necesidades, habilidades de equipo y sensibilidad al diseño, a través de la revisión de la literatura. Para las empresas universitarias generar la capacidad de respuesta a los deseos y necesidades de los clientes, así como de garantizar una vinculación institucional en mejora de conocimientos entre los grupos de trabajo y las habilidades de la empresa en marketing, investigación y diseño e ingeniería y fabricación.
En este artículo examinaremos una serie de dibujos que integran la producción artística de Darío Ares (Rosario, 1979), cuyas representaciones gráficas construyen una epistemología de lo visual. Las imágenes surgen desde fotografías extraídas de noticias publicadas en diarios locales sobre la violencia perpetrada en sitios específicos de la ciudad, escenas que han sido reapropiadas y reproducidas por el artista para generar archivos propios. La hipótesis de trabajo se enfoca en examinar de qué modo los dibujos y archivos de Ares conforman un tejido icónico que rememora las articulaciones conceptuales de Das Passagen-Werk (1982) de Walter Benjamin, y en detectar los vínculos entre imagen y texto. Para desplegar esos interrogantes se incluirán nociones procedentes del campo de los estudios visuales. Concluimos que son archivos visuales que describen las secuelas sociales y políticas de la violencia urbana, desplazándose de los relatos hegemónicos que caracterizan las descripciones periodísticas de los medios de comunicación masiva; en donde la imagen se propone como medio de conocimiento, como agenciamiento crítico y transformador de la realidad.
El giro ontológico, impulsado por los nuevos realismos y los realismos especulativos, ha revitalizado la teoría del arte. Esta nueva estética redefine las bases argumentales de conceptos fuertemente criticados, como la autonomía, la belleza, la esencia y el rol del espectador. En consecuencia, la “imagen artística” puede ser reformulada de manera neorrealista y especulativa, ganando autonomía, pero a costa de perder su función epistemológica. En este contexto, el presente trabajo expone los resultados de una investigación basada en la aplicación del “modelo ontográfico” de la Ontología Orientada a Objetos (OOO) de Graham Harman. Con tal propósito, se utilizó la ontografía para analizar la ontología de la imagen artística, la cual se entiende como un objeto de polaridad cuaternaria con tensiones múltiples. Los resultados permiten observar la posibilidad de nuevos fundamentos filosóficos sobre el tiempo, el eidos, el espacio, la esencia, la belleza y la autonomía de la imagen artística, más allá de su politización. Estas conclusiones conducen a una problematización epistemológica y estética que amerita mayor investigación.
El presente dossier busca socializar diferentes proyectos e intervenciones en diversos territorios, que, a través de las consolidaciones metodológicas y dinámicas sociales, que permiten privilegiar los intereses de los actores comunes y colectivos consolidados y contemplados en vínculos que reflejan los activismos tanto creativos como colectivos.
Derechos de autor 2024 Fundación Universitaria San Mateo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Activismos creativos en la comunidad soviet wave
El objetivo de este artículo es estudiar las imágenes del género musical soviet wave a partir de la función estética de la nostalgia como resultado de la ruptura temporal que significó la caída de la ex Unión Soviética y otros desastres aunados, como el de Chernóbil. Para tal fin el artículo estudia la función estética de la nostalgia como un proyecto artístico y cultural creativo que, en definitiva, logra desarrollar una sensibilidad estética, pero implica un anti-activismo político, al no restaurar las viejas formas políticas, artísticas, económicas y sociales, así como no produce nuevas formas activas de sensibilidad. Las imágenes y las letras del género soviet wave proyectan una sensibilidad nostálgica que las mantiene dentro de una lógica mercantil o del fracaso social. Por consiguiente, la nostalgia no puede generar un activismo político porque refiere a la inactividad, más que a la acción. El artículo está dividido en dos partes. La primera parte estudia la redimensión temporal a partir de la caída de la ex Unión Soviética y el desastre de Chernóbil como hitos desencadenantes para plantear que el soviet wave instaura tres categorías estéticas fundadas en la nueva percepción temporal: la melancolía, la nostalgia y “lo retro”. La segunda parte estudia las imágenes nostálgicas o “retro” producidas por los nuevos dispositivos tecnológicos que dan forma a la estética soviet wave, a partir de un análisis multimodal de la construcción del significado en la imagen. En conclusión, es posible postular que el soviet wave funciona como la exposición de la crisis de la social democracia y el capitalismo actual en su versión neoliberal por medio de los dispositivos técnicos y formas de organización visual que rememoran las décadas de 1970 y 1980.
La transformación de la experiencia urbana a través del marketing inmobiliario de la ciudad de Medellín, Colombia
La presente investigación exploró cómo el marketing inmobiliario, mediante el uso de productos visuales como simulaciones 3D e imágenes, ha reconfigurado la dimensión socio-afectiva y la percepción urbana en Medellín, Colombia. A través de una metodología mixta, este estudio profundizó en el análisis visual y estético de imágenes provenientes de cinco portales inmobiliarios, evaluando procedencia, temáticas, estéticas e ideas subyacentes. Los hallazgos revelaron un predominio de representaciones visuales genéricas y descontextualizadas, junto con modelos 3D poco realistas que minimizan la importancia de la arquitectura en favor de la promoción estilos de vida aspiracionales. Estas estrategias de marketing optaron por una simplificación conflictiva del concepto de vida urbana, oscilando entre lo tradicional y lo global, reflejando una tensión entre la identidad local y las aspiraciones mundiales. Este fenómeno sugirió una transformación profunda de la interacción entre los individuos y el espacio urbano, mediada por narrativas visuales que enfatizaron un ideal de vida distanciado de la realidad arquitectónica y social de Medellín. La investigación concluyó afirmando que estas prácticas de marketing no solo delinean preferencias de consumo; también indican cambios en la estructura social y el tejido urbano, moldeando la experiencia y la identidad de la capital antioqueña en el contexto neoliberal.
El “Festival de la arcilla” como práctica ciudadana activista del departamento del Huila
El siguiente texto titulado “El ‘Festival de la arcilla’ como práctica ciudadana activista del departamento del Huila” hace parte de la continuación de un proyecto de investigación que busca establecer las relaciones entre las artes visuales y la violencia política. El propósito del escrito consiste en reflexionar sobre las experiencias que han tenido algunas comunidades para dinamizar las prácticas visuales correspondientes al activismo artístico ciudadano. Como situación problemática se busca indagar sobre los modos que tales activismos se visibilizan en el sur de nuestro país. Se trata de una investigación sobre el arte contemporáneo colombiano, fundamentada en los estudios sociales; por lo cual es un proyecto de carácter interdisciplinario. La metodología aplicada versa sobre consulta de documentos, realización de entrevistas y la revisión de fotografías. El escrito concluye que las prácticas ciudadanas activistas corresponden a otras maneras de implementar el activismo social o los movimientos que buscan contradecir los parámetros culturales establecidos. Tales prácticas involucran a las personas y grupos generalmente segregados o invisibilizados por medio de la activa participación; al tiempo, se centran en una serie de planeaciones, gestiones y acciones de tipo etnográfico, en el cual los proyectos planteados y las actividades formativas/creativas se desenvuelven en, con y para grupos comunitarios. En suma, se puede decir que las prácticas ciudadanas activistas citadas lograron la organización comunitaria y crear arte con colectividades y en territorios por fuera de los marcos artísticos de visibilización departamental y nacional.
Más allá de los límites disciplinarios y metodologías tradicionales de aprendizaje
El presente artículo contiene el análisis interpretativo y crítico de la secuencia de procesos creativos, científicos, artísticos y culturales lideradas por el colectivo Arte + Ciencia = Consciencia (ArtCC), desarrollados en la región de Coquimbo, Chile. Implementado desde 2020, el proyecto ArtCC integra los conocimientos del arte y la ciencia para promover un aprendizaje social y transformador. Así, el problema que abarca esta investigación comprende la necesidad de transformar las relaciones de los individuos con su entorno, fomentando el pensamiento crítico, la responsabilidad social y la apreciación cultural, específicamente en comunidades, territorios y contextos marcados por serios desafíos sociales y ambientales. Este conjunto de problemáticas es abordado mediante la implementación de metodologías educativas innovadoras y activas que rompen los silos disciplinarios y promueven entornos de aprendizaje colaborativos, inspirados en la pedagogía crítica y la educación para la transformación social. La metodología para el aprendizaje propuesta por ArtCC es interdisciplinaria y experiencial, utiliza el juego, la creatividad y la colaboración como herramientas fundamentales para el aprendizaje. Este enfoque educativo y de transformación sociocultural ha generado un impacto significativo en la región de Coquimbo, evidenciando resultados positivos en diversas dimensiones, desde la creación de programas educativos innovadores hasta el fortalecimiento del tejido social y comunitario. El proyecto ArtCC se consolida como una experiencia educativa inspiradora con un impacto transformador, abriendo nuevas rutas hacia una educación más significativa, relevante y comprometida con los desafíos del siglo XXI.
Aproximaciones a la enseñanza de la literatura multimodal en contextos de educación superior en América Latina
La educación literaria es uno de los elementos fundamentales del currículum educacional del lenguaje, la comunicación y la literatura. En los ámbitos del arte, el diseño y la visualidad, la literatura suele considerarse como un medio de expresión únicamente verbal o escrita, dejando del lado la constitución visual de la palabra, así como las nuevas formas en las que se inscribe el registro de lo literario. De tal manera que, al concebir la literatura como imagen, se puede reflexionar en la multimodalidad de la literatura, la e-literatura, la palabra-imagen, los poemas sonoros, la literatura ergódica, entre otras formas artísticas.
El lugar a través de plataformas VBD en el cine de animación
Gracias a la evolución de las imágenes generadas por ordenador (CGI, del inglés Computer Generated Images) y los softwares 3D, la industria de la animación ha propiciado la realización de imágenes digitales, lugares y contextos culturales en busca de un resultado fotográfico más próximo a la realidad. Dentro de la producción del mayor distribuidor (Disney) la situación pandémica derivada de la covid-19 ha provocado que los productos destinados a las salas de cine se exhiban por un único medio: Disney+. El presente estudio pretende arrojar luz sobre el significado en la aprehensión y el desarrollo de los paisajes cuando el medio de exhibición se traslada al consumo enteramente digital mediante un sistema de vídeo bajo demanda (VBD). De este modo, se han estudiado las realizaciones generadas durante la crisis sanitaria (2020-2021) para comparar los resultados estéticos en los diferentes contextos representados a través de la exhibición digital.
Las artes audiovisuales y el diseño en comunicación visual siempre tuvieron muchas cosas en común, pero nunca como hoy en día en donde el diseñador participa en casi todas la etapas de elaboración de un film. Su tarea en esta industria es tan importante que, sin él, faltarían muchos de los elementos que la caracterizan: los títulos de crédito, los pósters, las marcas de productoras y distribuidoras, los ploteos de los vehículos promocionales, etc. Al mismo tiempo el diseño en comunicación visual desde hace tiempo incluye -no sólo elementos gráficos estáticos - sino también diseños con movimiento, que conlleva a que también esté presente mediante animaciones y efectos visuales en distintas instancias de la producción fílmica. El póster, a su vez, ha sido por décadas el único y mejor referente de las producciones audiovisuales pero no hay duda de que su rol actual en la industria audiovisual exige una revisión que lo reivindique.
El presente artículo tiene como objetivo establecer una relación entre Luis Carlos López, su obra e influencia en la sociedad cartagenera. Para ello la metodología empleada responde a un estudio de campo a partir de la visita realizada a distintos monumentos conmemorativos erigidos en pro de la conservación de la memoria del poeta, los cuales se encuentran ubicados en el centro histórico de la ciudad de Cartagena de Indias y lugares aledaños, así como también la revisión de espacios institucionales que se han convertido en promotores de su legado. La investigación permitió identificar la distribución de las placas existentes en el centro histórico, las cuales contienen versos del poeta. La identificación de estas placas funciona como elementos tangibles que preservan la memoria de Luis Carlos López, jugando un papel importante en la construcción de la identidad cultural de Cartagena, vinculando a la poesía con el entorno urbano y promoviendo el patrimonio literario en la comunidad. Así como también las instituciones que, dedicadas a la promoción de la cultura literaria, promueven la lectura de la poesía de este poeta, constituyéndose en verdaderos lugares de memoria.
“Giorgio Morandi. 'Still life, 1960'” en El saber de no saberse de Hugo Mujica
La obra Still Life (1960) de Giorgio Morandi adquiere un carácter didáctico en la ecfrasis que de ella hace el poeta argentino Hugo Mujica. Bajo una mirada fenomenológica, Mujica discurre literariamente sobre el carácter artístico de esta pintura, sugiriendo una noción “aurática” –a la manera de de Walter Benjamin– pero dirigida bajo el carácter propio de la poética del autor argentino. Mujica entiende que la poesía no adquiere dominio de significación. Still Life no tendrá el de la representación. Entre lo indeterminado del carácter de la imagen como tiempo y el acto mismo de escritura poética, Still Life se torna un modelo de escritura en el rasgo ontológico de lo artístico, en términos del poeta.
Sobre la necesidad de incluir narrativas algorítmicas en las prácticas docentes
Este artículo da cuenta de la necesidad de integrar y co-interpretar los alcances de los algoritmos de redes sociales en prácticas docentes. Lo anterior, por medio de aproximaciones narrativas, estéticas y performativas que ayuden a establecer perspectivas comunes sobre las consecuencias de estos mecanismos convertidos en técnica cultural, debido a su profunda implicancia en la vida cotidiana de los estudiantes y su entorno local-inmediato; así como en el escenario global.
En el presente ensayo se pretende extrapolar la propuesta ensayística de Byung-Chul Han, abordada en Loa a la tierra, hacia el estudio del poema digital titulado Arborescencia programada, pieza generativa de Carlos Bergen y Enrique García Alcalá, en conjunto con el área de E-literatura del Centro de Cultura Digital en México. Bergen y García Alcalá programan y hacen coincidir una selección de versos de Rainer Maria Rilke, Marosa di Giorgio y José Watanabe. El resultado es un poema árbol digital fechado el 25 de abril de 2018, que busca provocar en el usuario/participante (quien también es un lector que se convierte en creador y en espectador) un efecto artístico. La pieza evidencia así la desautomatización de la que hablaban los formalistas rusos y que toda obra de arte (electrónica o no) pretende.
Las imágenes están apresadas en su estrecha relación con aquello a lo que hacen referencia. Buena parte de la tradición crítica y de los estudios de la imagen se abocan en restituir o, incluso, salvar las distancias que las imágenes abren entre el aparecer y el parecer. En ocasiones, esta peligrosa distancia permite a la imagen abrirse a lo falso, pero también al engaño o a la seducción. La distancia con el referente o, si se quiere, la posibilidad de falsear, reside en la superficialidad de la imagen, en aquello que no permite el acceso directo a lo profundo: el significado o el discurso que debe traerse a la luz. Parecería que para acceder a la verdad de las imágenes su superficie debe desgarrarse, trascender la apariencia, susceptible al engaño, y dejar ver aquello verdadero que la superficie de la imagen opacaba. En última instancia, pareciera que las imágenes tendrían que quedar destruidas, dejar de aparecer y de parecerse, para acercarnos verdaderamente a aquello que engañosamente asemejan. Pero, al mismo tiempo, hay imágenes cuya destrucción se lamenta, donde se ansía el rescate de su frágil superficie: las imágenes de recuerdos entrañables o de seres queridos, el legado cultural en riesgo de ser destruido o la falta de evidencias de una atrocidad que ha quedado eliminada de los archivos. Las imágenes no dejan de disputarse entre su apariencia y su desaparición, entre aquello a lo que refieren y las formas de dar a ver esa referencia.
Derechos de autor 2023 Fundación Universitaria San Mateo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0